Con motivo del cincuentenario de la muerte de Picasso, John Boyce analiza la extraordinaria vida y carrera de un icono del siglo XX.
Nacido en Málaga en 1881, el extraordinario talento de Picasso comenzó a revelarse desde muy joven. Su padre, José Ruiz Blasco, un talentoso artista por derecho propio, subordinó sus ambiciones a las de su hijo cuando Picasso empezó a superarle. Su dedicación a nutrir el talento de Picasso le permitió al precoz adolescente montar su primera exposición a la tierna edad de 13 años (¡varios años más tarde, Picasso pagaría la devoción de su padre adoptando el apellido de soltera de su madre!).
En el otoño de 1895, la familia se trasladó a Barcelona y Pablo ingresó en la academia local donde su padre había conseguido el que sería su último puesto docente.
Dos años más tarde, Picasso experimentó por primera vez el reconocimiento de la crítica cuando recibió una mención de honor en la Exposición de Bellas Artes de Madrid por su obra. Ciencia y Caridad, lo que lo impulsó a mudarse a la ciudad más tarde ese mismo año.
Inscrito en la Real Academia de San Fernando, la enseñanza le pareció aburrida y pasó la mayor parte de su tiempo registrando la vida a su alrededor, en cafés, burdeles y en el museo del Prado, donde descubrió a los maestros españoles.
Tenía una especial afinidad por Goya, cuyas obras copió asiduamente durante su primer año en la capital.
Una epifanía catalana
Al año siguiente, Picasso enfermó y pasó la mayor parte del año recuperándose en el pueblo catalán de Horta de Ebro.
El período de convalecencia parece haber tenido un profundo efecto en su pensamiento, y cuando regresó a Barcelona a principios de 1899 tomó una decisión que alteraría la trayectoria de su vida.
Picasso abandonó su formación en la escuela de arte y se dedicó únicamente a la práctica del arte. Su primera exposición en Barcelona en 1900 fue una colección de más de 50 retratos de sus amigos a través de diversos medios.
Entre ellos estaba su pintura “modernista”, últimos momentos, que fue seleccionada para la sección española de la Exposición Universal de París. Deseoso de ver su propia obra en exhibición, Picasso viajó allí para la exposición, donde descubrió la alegría de los brillantes tonos franceses (en contraste con el uso del color, más tradicionalmente severo, español) y una ciudad en el apogeo de su vitalidad. Fue en esta época cuando Picasso dio vida a la capital francesa con su reconocida obra postimpresionista, Amantes en la calle.
Cubismo analítico
A la experiencia de Picasso en París le siguió su tan cacareado período azul bEntre 1901 y 1904, cuando viajó de ida y vuelta entre la capital francesa y Barcelona, en constante búsqueda de temas nuevos e intrigantes, incluidas prisioneras parisinas y representaciones de gente de la calle de Barcelona.
En la primavera de 1904, Picasso se mudó permanentemente a París y comenzó a trabajar en estrecha colaboración con Georges Braque, la única vez que trabajó en colaboración. Juntos desarrollaron lo que se conoció como cubismo analítico, intentando mostrar múltiples vistas de un objeto para transmitir una mayor profundidad de la que se podría presentar en un lienzo tradicional.
William Rubin, ex director del Museo de Arte Moderno de Nueva York, describe la asociación entre Picasso y Braque como “única en la historia del arte por su intensidad, duración e impacto generativo”. Según Rubin se trataba de una visión que “ninguno de los artistas habría podido realizar por sí solo”.
Braque, por su parte, describió la relación como algo similar a “dos alpinistas unidos entre sí”. Después de más de una década trabajando juntos, el inicio de la gran guerra puso fin a la colaboración y dispersó el círculo social de Picasso. Braque partió hacia el frente mientras la mayoría de sus compatriotas españoles regresaban a su tierra natal.
Picasso optó por quedarse en Francia, ingresando en un nuevo círculo de vanguardia encabezado por el legendario escritor, poeta y cineasta francés Jean Cocteau.
Viajaron juntos a Roma donde Picasso conocería a su futura esposa, la bailarina Olga Khokhlova.
Guernica
A lo largo de la década de 1930, Picasso mantuvo íntimas conexiones con el surrealismo, el movimiento literario y artístico más importante de entreguerras, y con su principal propagandista, André Breton. Si bien compartía sus ideales pacifistas, fiel a su espíritu solitario, nunca se unió oficialmente a sus filas.
Sin embargo, estas creencias pacifistas servirían de inspiración para una de sus mejores obras.
Aunque Picasso nunca regresó a su España natal después de una breve visita en 1934, sus simpatías siempre estuvieron con el efímero gobierno republicano, que lo nombró director honorario del Museo del Prado en Madrid.
También le encargaron la producción de su icónico mural, Guernica, una obra maestra de lo grotesco que lleva el nombre de la ciudad vasca del norte de España que fue salvajemente bombardeada por las fuerzas aéreas alemana e italiana a instancias de Franco en 1937.
Las imágenes viscerales de desmembramiento, muerte y caos de las obras grabadas en gris, blanco y negro son reconocibles al instante. Con tres metros y medio de alto y casi ocho metros de ancho, sigue siendo la pintura pacifista más épica y conmovedora del siglo XX, quizás de todos los tiempos.
A nivel personal, Guernica también contribuyó decisivamente a pulir la reputación de Picasso en la posguerra, hasta tal punto que durante muchos años pareció estar más allá de toda crítica.
Éxito público, fracaso privado.
Una de las pocas personas que cuestionó el estatus divino de Picasso en el mundo del arte fue el crítico británico John Berger. Su libro, El éxito y el fracaso de Picasso, se publicó en 1965 y atacaba lo que Berger consideraba el interés desmesurado de Picasso por acumular riqueza y su sobrevalorada reputación pública.
Si bien los motivos de Picasso pueden ser objeto de controversia, es cierto que su prolífica producción lo convirtió en un hombre extremadamente rico y lo mantuvo en gran medida en el ojo público. Su notable éxito artístico contrastó marcadamente con los fracasos de su vida personal.
Aunque permaneció oficialmente casado con Olga hasta su muerte en 1955, habían tomado caminos separados décadas antes. Su relación más notable en la década de 1930 fue con la fotógrafa francesa Dora Maar, quien le sirvió de inspiración para muchas de sus obras durante los nueve años que estuvieron juntos.
Maar también jugó un papel decisivo en la realización de Guernica, fotografiando cada etapa de su desarrollo en mayo y junio de 1937. Picasso utilizó las impresionantes fotografías durante todo el proceso creativo. A pesar de la gran aportación de Maar a su arte, Picasso, un adúltero en serie, no dudó en abandonarla cuando otra musa captó su atención.
Después de un encuentro casual en un restaurante en 1943, Picasso se relacionó con Françoise Gilot, una pintora francesa cuarenta años menor que él. Tuvieron dos hijos juntos antes de que Gilot lo dejara diez años después. Tal fue su ira ante su partida que se negó a volver a ver a sus hijos, Claude y Paloma, nunca más.
Los años que siguieron fueron una especie de retroceso a los días de su juventud, durante los cuales vivió una existencia incondicionalmente soltero, antes de casarse por segunda vez a la edad de 79 años.
Un legado rico (y lucrativo)
Picasso siguió siendo un innovador hasta la última década de su larga vida.
Habiendo sido el favorito del mundo del arte durante tanto tiempo, las críticas a las obras experimentales en sus últimos años supusieron una especie de shock para el artista octogenario.
En retrospectiva, tales críticas parecen equivocadas, dado el profundo impacto que su último período tuvo en una nueva generación de artistas como Andy Warhol y David Hockney.
El soplo de su influencia sólo fue reconocido tardíamente, más de una década después de su muerte. En contraste con el gastado cliché del pintor empobrecido que sólo encuentra fama, fortuna y aclamación póstumamente, Picasso encontró las tres cosas desde una edad relativamente joven, y así pudo conservar una amplia gama de su propia obra.
Tras su muerte en 1973, un tasador valoró su patrimonio en unos 200 millones de dólares después de que se descubrieran entre sus posesiones más de 50.000 obras, en distintos soportes y de todos los períodos de su carrera.
Si bien la mayoría de estas obras pasaron a manos de sus herederos, una selección sustancial fue legada al estado francés, que se presta periódicamente a museos de todo el mundo para el disfrute del público mundial.
Con motivo del 50 aniversario de su muerte, se organizan a lo largo de todo el año una serie de exposiciones en Madrid.