Con sólo 30 años, Huw Montague Rendall es ya uno de los jóvenes barítonos más imponentes de la ópera, con una presencia habitual en Covent Garden, París y los grandes festivales europeos. En esta entrevista exclusiva con el Dr. Stephen Simpson, habla con franqueza sobre el acoso que marcó los inicios de su carrera y cómo forjó la determinación, la disciplina y el enfoque que ahora definen a un maestro moderno.
Huw Montague Rendall aparta la mirada cuando me refiero a él como un cantante natural. No puedo estar seguro, pero sospecho firmemente que está poniendo los ojos en blanco.
Fue pensado como un cumplido; Después de todo, Huw es uno de los barítonos más solicitados del mundo, con una voz que se ha vuelto familiar en producciones emblemáticas de toda Europa en Zurich, Glyndebourne y Covent Garden. También es cada vez más reconocido más allá de la ópera. El año pasado, su álbum debut Contemplation (Erato) recibió elogios generalizados de la crítica, quienes destacaron la calidad “aterciopelada y matizada” de su canto y el rango que aporta al repertorio, desde Mahler y Duparc hasta Gounod y Korngold.
Pero, como pronto descubrí, el talento es un punto de partida más que la explicación de una carrera asombrosamente exitosa y, a veces, desafiante. “El hecho de que seas ‘natural’ en algo no significa que trabajes menos duro que alguien que no lo es”, me dice esta semana. “De hecho, socava todo el trabajo que hago por mi cuenta, el trabajo que hice en la universidad, el trabajo que hago con mis profesores y en el escenario todas las noches”.
Por supuesto, tiene toda la razón. Trabajo con una amplia gama de artistas, personalidades deportivas y figuras públicas, y el patrón es siempre el mismo: la habilidad puede abrir la puerta, pero el estándar que alcanzan proviene de años de trabajo duro, disciplinado y generalmente invisible.
Si de alguna manera lo has extrañado, Huw ha cantado a Papageno en Die Zauberflöte, Guglielmo en Così fan tutte, Schaunard en La Bohème, Harlequin en Ariadne auf Naxos y Malatesta en Don Pasquale. Actualmente alterna entre dos elencos de La flauta mágica en Covent Garden. Su rápido ascenso es aún más sorprendente cuando se pone en contexto: cantó su primer Don Giovanni el año pasado en Rouen, donde la orquesta se unió más tarde a él para sus sesiones de grabación con el director Ben Glassberg.
Ha construido esa carrera inusualmente rápido. En las últimas temporadas ha realizado debuts muy aclamados en la Royal Opera House, la Lyric Opera de Chicago, la Ópera de París, el Festival de Aix-en-Provence y en Salzburgo y Glyndebourne, ganándose la reputación de ser uno de los barítonos jóvenes más atractivos de la actualidad. El año pasado ganó la categoría de Voz y Conjunto en los Gramophone Classical Music Awards, poco después de su debut como Billy Budd en la Wiener Staatsoper. El impulso continúa. En la temporada 2025/26 regresa a Covent Garden antes de nuevas apariciones en el Gran Teatre del Liceu, la Ópera de París, la Ópera Estatal de Viena y la Ópera de Montecarlo, además de conciertos con la Filarmónica de Berlín, la Hallé y la Orquesta Sinfónica Escocesa de la BBC.
Nacido en una familia de músicos (su madre, la mezzosoprano Diana Montague y su padre, el tenor David Rendall), estudió en el Royal College of Music con Russell Smythe después de una temprana instrucción de ambos padres y de Philip Doghan. Sus primeros reconocimientos incluyeron el Premio John Christie en Glyndebourne, un verano como Artista Joven de Jerwood y un lugar en el Programa de Artistas Jóvenes del Festival de Salzburgo antes de unirse al Estudio Internacional de Ópera de Zurich.
Sus años de formación de trabajo disciplinado se hicieron más difíciles gracias a una industria implacable que exige perfección y, sin embargo, ofrece poca protección. Al principio de su carrera, revela, fue objeto de intimidación por parte de colegas de alto nivel. “Me intimidaron hasta que me sometí”, me dice. “Me enseñó que en este negocio estás solo. Tienes que defenderte, porque todos los demás se defienden a sí mismos”.
Huw, que sólo tiene 30 años, se niega a identificar la producción o las personas involucradas. Pero mientras hablamos, queda claro que la experiencia, dondequiera que fuera, pasó factura. La presión se deslizó en todos los aspectos de su vida laboral, inquietándolo mentalmente y golpeando su cuerpo con la misma fuerza. “Por lo general, el estrés conlleva reflujo ácido, que quema las cuerdas vocales”, dice. “Tuve ataques terribles, terribles, de esto cuando estaba pasando por eso”.
A pesar del costo psicológico y físico, Huw se quedó y completó el compromiso. “A veces, al comienzo de tu carrera, tienes que ser el chivo expiatorio”, dice. “En ese momento no sabía que debería haber doblado mi puntuación y haber salido por esa puerta. Pero el cambio sólo llega cuando decides que cambia”.
Lo que ocurrió durante esa producción fue, explica, una educación contundente sobre cómo pueden seguir funcionando las salas de ensayo. Los teatros de ópera se promocionan como instituciones internacionales con estándares de clase mundial, pero la estructura dentro de muchos estudios de ensayo sigue siendo informal, jerárquica y en gran medida no regulada. Los conductores y directores pueden dominar sin desafío, mientras que los trabajadores independientes, especialmente los cantantes jóvenes, tienen una protección limitada y no tienen rutas formales de denuncia. Una cultura del silencio, dice, permite que continúen los malos comportamientos.
“Alguien te grita en un ensayo y todos esconden la cabeza en el regazo”, recuerda. “Miras a tu alrededor y piensas, está bien, bueno, estoy solo”.
Comenzó a comprender que la autoconservación debe ser una parte activa del trabajo y que gestionar sus propias emociones era parte integral del oficio. “La preocupación y el estrés no favorecen a un buen artista”, afirma. “A veces es necesario quemarnos un poco en la sartén para que la piel espese”.
Huw también aprendió a reconocer patrones en cómo se usa y abusa de la autoridad. “Todo es por el poder”, dice. “Todo es para mostrar dominio frente a una sala llena de 150 personas”. La lección no se trataba de evitar el conflicto sino de imponer límites. “Tienes que defenderte porque las personas que te rodean se defienden a sí mismas”.
Describe la confianza como algo que cambia día a día. “Algunos días pienso que no puedo hacer esto y otros días pienso, está bien, puedes”, dice. Los nervios son una rutina para los cantantes y los ha visto en artistas de todos los niveles. “La gente eran cantantes muy, muy, muy famosos que vomitaban en sus camerinos antes de subir al escenario porque estaban muy nerviosos. Todas las noches”.
Para él, la presión proviene de la naturaleza del trabajo. Una actuación expone al cantante directamente a la habitación que tiene delante. “Estás compartiendo una parte de ti mismo con la audiencia”, dice. La voz lo apoya o no, y él siente la diferencia de inmediato. “Soy mi mayor admirador y mi mayor crítico”, dice. “Cuando está bien, es genial. Cuando está mal, es horrible”.
Para mantenerse centrado, Huw mantiene su círculo deliberadamente pequeño: su prometida Lily, su madre, su agente y un puñado de entrenadores que conocen su voz tan bien como él. Sus consejos tienen peso porque provienen de personas que entienden el trabajo en lugar de juzgarlo desde fuera. Incluso con ese apoyo, dice que la parte más difícil es gestionar sus propios estándares. “Tratar de no ver sólo lo negativo es una de las cosas más difíciles de equilibrar”.
Con el tiempo, Huw ha desarrollado sistemas que protegen su voz y mantienen la coherencia. El descanso es la base innegociable, afirma, al igual que la preparación. “Normalmente llego al teatro una hora antes”, dice. “Calienta mi voz, entra en el espacio, bebe una taza de té, repasa mis palabras”. Todo está diseñado para crear estabilidad y reducir la fricción.
El horario en Covent Garden le ha obligado a ser aún más disciplinado. La Flauta Mágica se presenta con dos elencos y los ensayos se realizan en los días entre funciones. El tiempo de recuperación es escaso. “Necesito mantenerme en forma y saludable, pero también necesito ensayar con el resto del elenco entre los días de espectáculo”, dice. La prioridad, para él, es obvia. “Debes asegurarte de que estás en condiciones de actuar frente a 2.500 espectadores que pagan”.
De todas las cosas que ha aprendido, dice que la que más importa es la claridad emocional. “Si soy honesto conmigo mismo, el público lo sentirá”, dice. Ese principio guía la forma en que canta, ensaya y enseña. Es el hilo que conecta los primeros reveses con los éxitos que siguieron. Y mientras se prepara para otra noche en el escenario, esa sigue siendo la regla en la que confía.
El Dr. Stephen Simpson es un entrenador mental, presentador de radio y televisión, hipnoterapeuta, orador de TEDx, autor de bestsellers, consultor de negocios y miembro de la Royal Society of Medicine de renombre internacional. Con casi 40 años como médico en ejercicio y amplia experiencia en entrenamiento de rendimiento de élite, salud mental, hipnosis y PNL, ha trabajado con los mejores atletas en el PGA European Golf y World Poker Tours. El Dr. Simpson tiene un MBA de la Universidad Brunel y se ha desempeñado como Director Médico Regional de Chevron, contribuyendo a iniciativas de salud global con líderes como Bill Clinton y Bill Gates. Presenta programas populares como Zen and the Art of NLP, y su canal de YouTube cuenta con más de 260 vídeos y 350.000 visitas. Su último libro, The Psychoic Revolution, resume sus métodos innovadores para lograr el máximo rendimiento.
LEER MÁS: ‘Las muchas vidas del profesor Michael Atar’. Desde la odontología pediátrica hasta la tecnología de la sepsis, la psicoterapia y la innovación social, el profesor Michael Atar ha construido una carrera que se niega a permanecer en un solo carril. El Dr. Stephen Simpson, de origen europeo, conoce al hombre cuyo trabajo abarca la medicina, la física, la salud mental y la vida comunitaria.
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Imagen principal, cortesía de Simon Fowler