En York Boulevard en Los Ángeles, un agujero negro borroso cuelga de una pared oscura, al que solo se une un par de auriculares que reproducen ecos en bucle de sus hermanos chocando.
Es una escena familiar del vacío central supermasivo de nuestra galaxia, y ciertamente una que ha volado por todas partes a lo largo de los años. Apuesto a que lo has visto. Los periodistas (incluyéndome a mí) han adulado esta imagen, colocándola en estimulantes noticias bajo títulos como “Primera imagen del agujero negro de la Vía Láctea” o “Revelado el centro de nuestra galaxia”. Las universidades lo han incluido en comunicados de prensa sobre el conjunto que abarca la Tierra. de radiotelescopios se lo debe a sí mismo, y los científicos lo han publicado en estudios embriagadores mientras llaman cariñosamente a su sujeto tal como parece: un donut naranja peludo.
Sin embargo, al ARTES OXI Galería de Los Ángeles, ese abstruso retrato de Sagitario A* parece un poco diferente.
Aislado en el muro asignado, el planeta de 4,3 millones de masas solares agujero negro Ocupa un espacio fuera de sus habituales fronteras astrofísicas, tanto en el cosmos como en el mundo académico, para abrirse a la crítica y la reflexión artística. Debo admitir que, cuando lo vi por primera vez, mi sensación inicial fue que es curioso exhibir una imagen científica inédita del cosmos en una galería de arte, y especialmente una en la que los artistas que aparecen en la galería no participaron en su creación. Parecía hueco e incluso ligeramente ostentoso. Pero, después de un tiempo, me ablandé.
El área intencionalmente vacía alrededor del marco de Sgr A* parecía en realidad puntuar su peso conceptual y visual de una manera que su típico fondo en línea de barras de búsqueda y pestañas de Google Chrome nunca lo hizo para mí. En mi opinión, la pieza en sí no fue innovadora, pero la elección de colocarla en la pared de una galería podría haberlo sido.
Esto me hizo empezar a preguntarme si las longitudes de onda del arte y la ciencia tienden a interferir entre sí de manera constructiva o destructiva, o si, para empezar, son realmente iguales. Por ejemplo, algo que es extremadamente intrínseco al arte, pero no a la ciencia, es la idea de individualidad. Una verdadera obra de arte a menudo se considera irreplicable, pero una conclusión científica ideal depende de la replicabilidad para demostrar que es una verdad universal.
Aunque, por otro lado, uno de los ejemplos más conocidos de alguien que cantó la canción del arte y la ciencia es Leonardo Da Vinci, cuyas obras maestras son construido específicamente sobre principios de anatomía, física y matemáticas. ¿Sería justo preguntar cuál de las dos disciplinas fue la primera para Da Vinci? ¿Cuál estaba burbujeando en su mente para empezar, extendiendo la mano para llamar al otro?
Para ser justos, no sé si con este pensamiento estaba exprimiendo agua de una piedra. Pero incluso si lo fuera, creo que también hay algo interesante en eso. pintor francés marcel duchamp una vez dijo en su charla de 1957 sobre crítica artística que “el acto creativo no lo realiza solo el artista; el espectador pone la obra en contacto con el mundo externo descifrando e interpretando sus cualidades internas y así suma su contribución al acto creativo”.
Esto se vuelve más relevante cuando pensamos en por qué En primer lugar, estaba mirando esta exhibición de Sgr A*.
los espectadores
Durante seis días en septiembre del año pasado, PST del Museo Getty: el arte y la ciencia chocan El evento me invitó a viajar a unas 30 galerías de Los Ángeles y absorber los resultados de un desafío que plantearon a varios artistas y curadores de arte: crear exhibiciones que pasaran de puntillas por la línea que separa el arte y la ciencia. En un mar de periodistas de arte, yo era uno de los únicos representantes de noticias científicas, si no el único, que buscaba meticulosamente lienzos y esculturas en busca de rastros de descubrimientos contemporáneos y teorías fundamentales que estoy tan acostumbrado a leer en blanco y negro.
En otras palabras, llegué a este viaje como un outsider.
Casi de inmediato, el primer día, mi condición de no periodista de arte se volvió bastante clara y, sinceramente, aumentó el síndrome del impostor que normalmente siento sin importar la ocasión. No tenía el conocimiento previo de mis compañeros cuando hablaba de artistas emergentes, no conocía la dinámica precisa de las burocracias de las galerías de arte y, más de una vez, tuve que preguntar torpemente a uno de mis nuevos amigos cómo prolífica fue la persona con la que acabo de hablar. Simplemente no tenía la experiencia necesaria para juzgar cómodamente el arte de una manera objetiva y, de hecho, encuentro que todo el concepto de crítica artística es realmente complejo y difícil de penetrar. Pero lo que yo hizo tenía era mi conocimiento de la ciencia.
Por lo tanto, busqué diligentemente hilos de ecuaciones en el arte que vimos, aunque solo fuera para tener algo a qué aferrarme. Lo traté como una conferencia científica y ahí fue donde comencé a pensar en las ideas de Duchamp.
Duchamp se preguntó acerca de un fenómeno esquivo en el que un espectador reacciona ante una obra a pesar de que el artista técnicamente no tiene parte en esa reacción. “Este fenómeno es comparable a una transferencia del artista al espectador en forma de ósmosis estética que se produce a través de la materia inerte, como el pigmento, el piano o el mármol”, dice, y creo que la transferencia depende en gran medida de la mentalidad. caminos que uno ya está predispuesto a tomar.
El concepto me recuerda a una escena del programa de televisión “Mad Men” en la que alguien compra una obra de arte increíblemente cara pero no permite que nadie en su lugar de trabajo la vea. Por fin, algunos personajes logran vislumbrar y descubren que no es más que un lienzo molestamente sencillo con manchas rojas abstractas. Inmediatamente empiezan a reaccionar porque esperaban algo más convencionalmente bello. Pero entonces, uno de ellos, Ken, reflexiona que tal vez la reacción en sí misma sea el punto. “Cuando lo miras, sientes algo”. el afirma. Lamentablemente, sin existir en la sala, el artista logró provocar emoción y generar una conversación sobre estética.
Con estas exhibiciones de arte científico, parecía que la obra de arte requería inherentemente reacciones tanto artísticas como científicas de los espectadores para llevar las piezas a su verdadero potencial.
los hilos
Una exposición tuvo lugar en David Aitkendel estudio de arte industrial, donde hilos de luz rebotaban en la pared mientras se proyectaba una película en el proyector del artista, que mostraba evocadores bailarines en una fábrica de Amazon, conductores en el campo y una miríada de otras experiencias humanas. Me hizo preguntarme si el entrelazamiento cuántico tenía algo que ver con la pieza, ya que los fotones son partículas cuánticas y el entrelazamiento implica que estas partículas estén conectadas a pesar de existir en ubicaciones separadas. Incluso es posible si las partículas están en lados opuestos del universo, como los trabajadores de Amazon en camiones de reparto y los multimillonarios en aviones privados.
Sin embargo, otra persona que conocí en la exposición, que escribe sobre danza, no estaba pensando en la mecánica cuántica. Señaló las complejidades de los movimientos de los bailarines, y otros en la sala parecían estar prestando mucha atención a las decisiones musicales y la dirección cinematográfica de Aitken.
Al Museo del Martilloentrar en una pequeña habitación cubierta con un velo te llevaba a una gran caja de vidrio dentro de la cual las abejas vivas construyen patrones de panal sobre esculturas que convierten esos patrones en obras de arte. Otros tres y yo vimos cómo una abeja voló hasta el fondo del contenedor y llevó a uno de sus hermanos muertos a la cima, donde hay un túnel hacia el mundo exterior.
En otra sala de este museo, existe un agujero negro dinámico dentro de un espacio que viene con una advertencia sobre la epilepsia. No sabemos cómo se ven los agujeros negros a simple vista, pero comencé a reflexionar en voz alta si necesitarían una advertencia de epilepsia para aquellos que pueden evitar ser estirados en tiras como fideos cuando se enfrentan a la atracción gravitacional del vacío. el horror de un escritor que conocí que intentaba capturar los llamativos colores de la exposición en su teléfono porque esos colores fluctuaban de maneras peculiares en la cámara de su móvil.
Cerca, podrías sentarte en el suelo y escuchar los sonidos simulados de la naturaleza, mientras ves un vídeo de la naturaleza real, frente a un estanque simulado con ondas simuladas. Me quedé allí por un tiempo, recordando cómo esto podría ser una ventana a nuestro futuro una vez que el cambio climático desenfrenado asole nuestro mundo. Obra de arte en la galería SCI-ARC, bajo el título “Vistas de Planet City” utiliza imágenes de satélite reales y formatos de videojuegos futuristas para imaginar un mundo hipotético en el que la humanidad vive en una sola ciudad para permitir que el resto del planeta se recupere. Esto me hizo llorar de una manera que no lo hacían las noticias objetivas sobre temperaturas récord. y noté que algunos otros tenían una reacción similar.
Al Biblioteca de marca y museo de artelos tallos de hierba conectados a bloques mecánicos en el suelo se movían según los patrones de viento marciano registrados por el rover Perseverance de la NASA en Marte. Los movimientos fueron entrecortados no porque el viento sea irregular en Marte sino porque hay lagunas en nuestros datos representadas por lagunas en el balanceo de la hierba. Afuera, una pared estaba decorada con cinta amarilla brillante con un patrón de chevrón, cinta que la NASA usa para envolver instrumentos que despegan a lugares mucho más allá de la Tierra. En otra pared había un microchip que contenía millones de nombres de personas.
lo ha hecho desde sido enviado en un viaje a Europa, la luna de Júpiter.
En su charla, Duchamp consideró los dos polos de la creación de arte: “el artista por un lado y por el otro el espectador que luego se convierte en posteridad”, dando esencialmente el mismo peso tanto al creador como al que presencia la creación. creación y labra su legado.
Ver o sentir una obra de arte puede considerarse parte de la obra de arte misma, en cierto sentido; Esto se vuelve complejo al considerar cuántas personas diferentes, de diferentes generaciones y con diferentes perspectivas, actuarán como espectadores.
El arte científico logró ofrecer imágenes con significados que he considerado conceptualmente durante mucho tiempo, pero deseaba profundamente poder ver estas piezas desde los ojos del mundo del arte para saber cómo la ciencia podría haber mejorado, disminuido o tejido lateralmente en su experiencia. Sin embargo, lamentablemente la individualidad del arte se refleja en la individualidad del acto creativo.
Lo sentí especialmente cuando estaba bajo las torres plateadas de Olafur Eliasson y miraba hacia arriba. Fue más fascinante de lo que puedo explicar; Parecía que luz y espejos eran todo lo que necesitabas para encontrar un mundo en el que el infinito físico estuviera a tu alcance.
Aun así, sabía que era sólo el periodista científico que había en mí el que hablaba.
Este viaje fue financiado por el Museo Getty como parte del evento PST: Art and Science Collide.