La nueva “Supergirl” de DC puede convertirse o no en un clásico del género del cómic. Puede que sea o no un gran éxito en los cines. Pero pase lo que pase cuando Kara Zor-El se encuentre con los impredecibles vientos en contra de la taquilla mundial, una cosa que la nueva película acertó al 100% es su cartel promocional.
Echemos un vistazo a sus componentes. El logotipo brillante de House of El en colores primarios en el fondo es tan audaz e inconfundible que no es necesario explicar que se trata de una súper película. Al mismo tiempo, tener ese famoso escudo pintado con aerosol en una pared es una elegante abreviatura de “¿Estás buscando al boy scout Clark Kent? Entonces sigue adelante”.
Mientras tanto, la pose de “no me importa” de la actriz principal Milly Alcock, sin mencionar el abrigo, las gafas de sol y los auriculares retro, grita actitud. Y cuando llegues al eslogan “Verdad. Justicia. Lo que sea”… bueno, ya sabes prácticamente todo lo que necesitas saber sobre nuestro último viaje al nuevo Universo DC de James Gunn. Lo único que le falta es el súper perro Krypto.
Esta promoción de “Supergirl” se destaca en los vestíbulos de los multicines, como debería hacerlo todo buen cartel, pero parece una rareza en el Hollywood moderno. Una y otra vez, los diseños de una sola hoja vuelven a una fórmula probada, comprobada y tediosa de montaje con Photoshop (hay otro software de diseño disponible) de rostros famosos de una película. Muchos de ellos se presentan en el mismo monocromo borroso (es casi como si hubieran salido de una película de Zack Snyder) y se necesita un microscopio para distinguir muchos de los detalles. Captar la atención de un espectador parece estar muy lejos en la lista de prioridades de cualquiera.
No siempre ha sido así, porque el género de ciencia ficción ha sido responsable de muchos de los mejores carteles de películas jamás realizados. En la década de 1950, las películas de serie B e incluso los estudios ocasionales utilizaban sus promociones como descarados generadores de publicidad, encargando a artistas que pintaran arácnidos gigantes, monstruos gigantes y, en un ejemplo notable de 50 pies, mujeres gigantes. Engrandecer a los malos fue claramente una de las primeras cosas que les enseñaron a estos artistas en la escuela de carteles.
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También se negaron a verse limitados por inconvenientes menores como los detalles de la trama. Los carteles de “El día que la Tierra se detuvo” (1951) y “Planeta prohibido” (1956) están construidos alrededor de robots enojados que transportan mujeres con poca ropa, aunque ninguna de las películas presenta escenas de ese tipo.
Aproximadamente una década después, películas de ciencia ficción ambientadas en el espacio como “2001: Una odisea en el espacio” (1968) y “Silent Running” (1972) optaban por un enfoque bastante más moderado. De hecho, sus one-sheets cargados de hardware se parecían más a las portadas de novelas duras de ciencia ficción que a carteles de películas. Las promociones infantiles estrella conceptuales más famosas de “The Ultimate Trip” de “2001” no se crearon hasta que la epopeya de Stanley Kubrick se relanzó en 1970, cuando los ejecutivos de cine intentaron capitalizar su creciente, aunque involuntaria, reputación como un clásico psicodélico de la contracultura.
Pero podría decirse que son dos películas increíblemente influyentes estrenadas en dos años a finales de los años 70 las que sentaron las bases de lo que un cartel de película de ciencia ficción podría y debería hacer: “Star Wars” y “Alien”.
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A primera vista, los primeros carteles de “Una nueva esperanza” parecen montajes de personajes que se han convertido en la norma de Hollywood. Sin embargo, si se mira más de cerca, se ve un arte genuino en su composición.
Aunque el famoso póster “Estilo A” de Tom Jung está muy, muy lejos de la precisión de la pantalla, ¿qué está pasando con el sable de luz y el six-pack de Luke? – captura sin esfuerzo la esencia de acción de la película. El (posiblemente) aún más icónico diseño “Estilo C” de Tom Chantrell une a todos los jugadores clave en un maravilloso collage cinético de fuego láser, sables de luz y X-wings.
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Es un subgénero del arte de carteles que el fallecido Drew Struzan (que falleció en 2025) llegaría a dominar posteriormente. Sus diseños legendarios pintados a mano para películas como “Indiana Jones y la última cruzada”, las ediciones especiales de “Star Wars”, las precuelas de “Star Wars”, “Blade Runner” y (sí, de verdad) “La película de los Muppets” han dejado una huella para cada dibujante que le siguió. “Quiero que el cartel parezca una aventura”, dijo Struzan a SlashFilm en 2021.
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En 1979, el famoso diseño “En el espacio nadie puede oírte gritar” de “Alien” ayudó a popularizar la hoja conceptual, ya que un único huevo extraterrestre insinuaba los horrores que Ridley Scott tenía reservados.
Muchos de los carteles más memorables de los años 80, 90 y 2000 optaron por una sola imagen abstracta, ya fuera ET y Elliott recortados contra la Luna, una nave espacial extraterrestre sobrevolando Nueva York para el “Día de la Independencia” o los logotipos minimalistas y amigables con Happy Meal de “Ghostbusters” y “Jurassic Park”.
El famoso cartel de Struzan para “The Thing” de John Carpenter (el que muestra a un tipo sin rostro con una parka) nació por necesidad, ya que al artista se le había dado poca información más allá del hecho de que era una nueva versión de “The Thing from Another World” de 1951. “[I had to] encontrar una manera de convertir nada en algo”, dijo Struzan más tarde sobre un diseño que supuestamente creó en una sola noche. Es justo decir que lo logró.
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Una cosa que todos estos diseños tienen en común es que, además de ser excelentes anuncios para sus respectivas películas, son auténticas obras de arte. Es una tradición que los creadores modernos como el brillante Matt Ferguson (y excepciones notables como “Alien Romulus” y “Arrival”) están haciendo todo lo posible por mantener viva, aunque es menos probable que el vestíbulo de un multicine contemporáneo se confunda con una galería de arte de lo que podría haber sido alguna vez.
Incluso con la advertencia de que tendemos a recordar las cosas buenas y olvidarnos de las malas, los carteles de películas modernas rara vez son tan buenos como solían ser. Con montajes a menudo basados en la importancia contractual de las respectivas estrellas, muchos parecen haber sido creados por un comité en lugar de por un solo artista visionario: el diseño que menos disgustaba a la mayoría de los ejecutivos, agentes y abogados, en lugar del que a unos pocos les encantaba.
¿Puede haber alguna otra explicación para las hojas de “Transformers” que parecen haber pasado por un filtro de lodo, o un diseño de “Avengers: Age of Ultron” tan abarrotado que parece la respuesta de Marvel a “¿Dónde está Waldo?”.
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Quizás a Hollywood ya no le importe. Tal vez su investigación de mercado les diga que los montajes de identikit obtienen los mejores resultados en taquilla, o que los one-sheets tradicionales son poca cosa al lado de las redes sociales y los trailers cuando se trata de conseguir vagabundos en las butacas del cine.
Pero si la medida de un buen cartel de película es algo que uno quisiera enmarcar y colgar en la pared, la generación actual (en su mayor parte) carece de ella.
Así que, independientemente de que “Supergirl” funcione o no, celebremos el elegante y memorable cartel de la película como un maravilloso descanso del status quo.