Oscar Isaac es un Victor Frankenstein obsesivo y carismático
Ken Woroner/Netflix
frankenstein
Dirigida por Guillermo del Toro, ya disponible en cines seleccionados del Reino Unido y EE. UU., y en Netflix a partir del 7 de noviembre.
Guillermo Del Toro ha estado fascinado durante mucho tiempo por las zonas fronterizas donde se encuentran la ciencia, el mito y la monstruosidad. En su nueva película, Frankenstein, recurre por fin al texto fundacional de Mary Shelley: la novela de 1818 que, según muchos, dio origen tanto a la ciencia ficción como al terror moderno.
El resultado es visualmente suntuoso, realizado con intensidad y, a veces, filosóficamente agudo, incluso si su ritmo y algunas elecciones de diseño delatan la mano dura de Netflix, el financista de la película.
La historia de Shelley sobre Victor Frankenstein –un científico brillante pero imprudente que se atreve a dar vida a la materia muerta– sigue siendo una de las advertencias más potentes sobre las promesas y los peligros de la ambición científica. En la película de Del Toro, Oscar Isaac interpreta a Víctor como una figura carismática y obsesiva cuyas heridas, tanto personales como intelectuales, lo impulsan a un territorio inexplorado.
La actuación de Isaac equilibra la arrogancia con la fragilidad, y el conjunto que lo rodea añade textura: Christoph Waltz como Harlander, el industrial que financia la investigación de Victor; Charles Dance como el padre autoritario de Víctor; y el destacado papel de Mia Goth como Elizabeth Lavenza, una figura trágica y compasiva.
La película resulta más convincente cuando se detiene en el laboratorio. Del Toro y la diseñadora de producción Tamara Deverell han creado un ambiente que hace un guiño a los teatros de anatomía del siglo XIX, con aparatos imponentes y máquinas toscas y galvánicas. La descripción de la disección y la medicina experimental es estilizada pero no del todo inverosímil: chispas de credibilidad residen en los detalles de ligaduras, bisturíes y protocolos quirúrgicos.
Los cadáveres de Víctor, sin embargo, pueden poner a prueba la credulidad: la gran cantidad y frescura de los cuerpos a su disposición ciertamente pone a prueba el realismo. Sin embargo, sus actividades reflejan los debates de la era romántica sobre la electricidad, el vitalismo y el límite entre la vida y la muerte.
La Criatura (Jacob Elordi), creada y abandonada por Víctor, no es la figura corpulenta con tornillos en el cuello de la película Frankenstein de 1931. Aquí vemos un cuerpo más delgado y con cicatrices representado mediante prótesis y CGI. La combinación es efectiva, aunque algunos primeros planos, como cuando la criatura yace inmóvil, fallan en la línea de la mandíbula. Su apariencia también choca: la estética inquietante y “emo” se siente más cercana a los gustos modernos que al entorno de Shelley de principios del siglo XIX.
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Las imágenes de la película son fascinantes, empapando laboratorios y paisajes por igual en claroscuros.
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En cierto modo, este diseño es una continuación del interés de Del Toro por la biología como bricolaje, el cuerpo como lugar de reinvención, como se ve en sus películas anteriores, como La forma del agua. Incluso filtrada a través de una lente moderna, la Criatura refleja nuestra fascinación duradera por reconstruir la vida a partir de fragmentos: un sueño científico tan seductor ahora como lo era en la época de Shelley.
Narrativamente, Frankenstein flaquea un poco. Del Toro dedica los 150 minutos de duración a la crianza, la formación intelectual y la lenta seducción de Víctor por el sueño de conquistar la muerte. Si bien este material fundamenta la película en la psicología de Víctor, significa que el ritmo se vuelve lento y algunos espectadores pueden encontrar el largo primer acto como un exceso. Es más, la fuerza de la Criatura (suficiente aquí para levantar un barco como si fuera madera flotante) corre el riesgo de caer en la exageración, socavando la sobria exploración de las posibilidades científicas de la película.
Aún así, los temas subyacentes siguen siendo urgentes. En última instancia, Frankenstein trata menos de la mecánica de la reanimación que de la reacción de la sociedad ante lo desconocido. Y las imágenes de la película son consistentemente fascinantes, con la cinematografía de Dan Laustsen empapando laboratorios y paisajes por igual en claroscuros, mientras que la música de Alexandre Desplat alterna entre siniestros estruendos y delicados motivos de anhelo.
La obra de Del Toro incluye obras más ambiciosas, pero Frankenstein es, no obstante, una exploración seria, a veces conmovedora, de una de las mayores parábolas de la ciencia. Nos pide que consideremos no simplemente si podemos crear vida, sino también si podemos vivir con lo que creamos.
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